- Fantasia su tema di Antonio Mozzi
La Fantasia per organo di Giovanni Leonardo Lorenzin ha come elemento ispiratore il bel tema dell’Inno mariano di Antonio Mozzi (1864 – 1942) conosciuto con il titolo di “Ave di Monte Berico”, una delle melodie che più si cantano nel famoso Santuario vicentino durante le celebrazioni.
Il pezzo può essere idealmente diviso in tre parti: una prima di carattere toccatistico, una seconda di andamento più pacato e una terza nella quale il tema dell’Inno viene eseguito con tutti i registri dell’organo.
L’idea di “preparare” in qualche modo il “corale finale” nasce da una tradizione organistica che ha radici molto lontane ma che nell’Ottocento, soprattutto quello francese – si pensi ad esempio a César Franck – trova la sua piena attuazione. Questo modo di pensare, però, non lo si trova solamente nella musica per organo. Un esempio per tutti è evidente nella parte della Suite “The Planet” di Gustav Holst dedicata a “Jupiter” nella quale il compositore inglese prepara la celebre melodia in 3/4 facendola sentire in modo frammentato in tutta la prima parte. Questa operazione di “scomposizione” prima e di “composizione” dopo, la troviamo anche in questo bello e virtuosistico pezzo di Lorenzin.
Il suo linguaggio, saldamente ancorato alla tonalità, è sempre fresco, colorato e immediato. In più si nota una profonda conoscenza dello strumento che porta al limite massimo la difficoltà esecutiva senza però mai superarlo.
Infine il modo di “trattare” lo strumento ci permette di capire che se la presente Fantasia per organo è chiaramente un pezzo da concerto, e quindi non necessariamente destinato ai pochi spazi offerti dalla liturgia attuale, da esso traspare comunque il profumo della musica sacra. Questo dipende non solo dall’utilizzo di una melodia sacra come base compositiva ma anche, e in particolar modo, dal fatto che Giovanni Leonardo Lorenzin, ora maestro di coro, inizia gli studi musicali proprio suonando l’organo e dal suo passato di organista ha imparato a “sentire” ciò che è sacro e ciò che non lo è.
L’organo è stato il suo primo strumento e, come recita un famoso detto popolare che tutti gli organisti conoscono, “Il primo amore non si scorda mai”.
Pierangelo Valtinoni
The Fantasia for organ by Giovanni Leonardo Lorenzin has as its inspiring element the beautiful theme of the Marian hymn by Antonio Mozzi (1864 – 1942) known with the title of “Ave di Monte Berico”, one of the most sung melodies in the famous Sanctuary of Vicenza during the festivities.
The piece can ideally be divided into three parts: a first of a toccatistic nature, a second with a more calm movement and a third in which the theme of the hymn is performed with all the organ registers.
The idea of somehow “preparing” the “final chorale” comes from an organ tradition that has very distant roots but which in the nineteenth century, especially the French one – think for example of César Franck – finds its full realization. This way of thinking, however, is not found only in organ music. An example for all is evident in the part of Gustav Holst’s Suite “The Planet” dedicated to “Jupiter” in which the English composer prepares the famous melody in 3/4 making it heard in a fragmented way throughout the first part. This operation of “decomposition” first and then “composition” is also found in this beautiful and virtuosic piece by Lorenzin.
His language, firmly anchored in tonality, is always fresh, colorful and immediate. Added to this is a deep knowledge of the instrument that brings the executive difficulty to the maximum limit without ever exceeding it.
Finally, the way of “treating” the instrument makes it clear that if the present Fantasia for organ is clearly a concert piece, and therefore not necessarily intended for the few spaces offered by the current liturgy, the scent of sacred music nevertheless shines through. This depends not only on the use of a sacred melody as a compositional basis but also, and in particular, on the fact that Giovanni Leonardo Lorenzin, today maestro di cappella, began his musical studies playing the organ and from his past as organist he learned to “feel” what is sacred and what is not.
The organ was his first instrument and, as a famous popular saying that all organists know goes, “You never forget your first love”.
Pierangelo Valtinoni
Recensione di Ugo Sforza:
“Le opere per organo di Giovanni Leonardo Lorenzin si ispirano certamente ai lavori di alcuni compositori ben noti ma molto diversi fra loro per stile, scuole nazionali di riferimento e contesto socio-culturale nel quale hanno operato: citerei almeno l’italiano Giulio Viozzi (1912-1984) e il ceco Petr Eben (1929-2007). Ad entrambi si possono riferire gli influssi pianistici evidenti nelle composizioni del Lorenzin, il quale pur sviluppa un linguaggio del tutto autonomo, tecnicamente maturo ed evoluto; tale linguaggio si connota per uno spiccato senso del ritmo e per la padronanza dei mezzi espressivi, fra cui emergono la scelta di ritmi complessi, l’uso sapiente delle pause, la predilezione per la forma-criterio dell’improvvisazione scritta e l’utilizzo delle dissonanze funzionali.
Sul piano strettamente formale e armonico, lo stile del compositore fa eco felice all’epoca barocca e al classicismo (in tal senso, costituiscono il vero e proprio bagaglio culturale del Lorenzin le molteplici esperienze maturate in campo artistico in qualità di direttore e fondatore del J. S. Bach Ensemble negli anni ’90 del secolo scorso). La condotta delle parti nella realizzazione delle sequenze imitate è chiara e puntuale e le modulazioni transitorie sono adoperate ad arte, solo per fare alcuni esempi.
Le opere del Lorenzin appaiono da subito originali in fatto di gusto: articolate e complesse, a tratti labirintiche o di non facile esecuzione, destano un fascino rispettoso e sembrano perfino celare l’identità del compositore, suggerendo all’interprete una performance intrigante e accattivante.
Con questa chiave di lettura si riesce a comprendere come l’autore, al pari di altri compositori contemporanei marcatamente italiani e degni di nota, riesca a mescolare nella propria scrittura tutti gli elementi e gli influssi musicali acquisiti attraverso gli studi e la carriera, combinando sapientemente passato e presente, senza smarrire il carattere vivo e prorompente della propria anima musicale e senza nutrire dubbi sul proprio status di compositore. Tale originalità made in Italy – un misto di temperamento, brio e vivacità intellettuale – non passa mai inosservata fuori dall’Italia e non è certamente destinata all’oblio”.
Ugo Sforza, concertista e compositore
Ugo Sforza
“Giovanni Leonardo Lorenzin’s organ works are certainly inspired by the works of some well-known composers, but very different from each other in terms of style, national schools of reference and socio-cultural context in which they worked: I would mention at least the Italian Giulio Viozzi (1912-1984) and the Czech Petr Eben (1929-2007). The evident pianistic influences in Lorenzin’s compositions can be traced back to both of them, although he developed a completely autonomous, technically mature and evolved language; this language is characterized by a strong sense of rhythm and mastery of expressive means, among which the choice of complex rhythms, the wise use of pauses, the predilection for the criterion-form of written improvisation and the use of functional dissonances stand out.
On a strictly formal and harmonic level, the composer’s style happily echoes the Baroque and Classical eras (in this sense, Lorenzin’s true cultural background is formed by the many experiences he gained in the artistic field as director and founder of the J. S. Bach Ensemble in the 1990s). The conduct of the parts in the realization of the imitated sequences is clear and precise, and the transitory modulations are used artfully, to name just a few examples.
Lorenzin’s works immediately appear original in terms of taste: articulated and complex, at times labyrinthine or not easy to perform, they arouse a respectful charm and even seem to conceal the composer’s identity, suggesting to the interpreter an intriguing and captivating performance.
With this interpretation, one can understand how the author, like other contemporary composers who are markedly Italian and worthy of note, manages to mix in his writing all the elements and musical influences acquired through his studies and career, skillfully combining past and present, without losing the lively and exuberant character of his musical soul and without harboring doubts about his status as a composer. This originality made in Italy – a mixture of temperament, verve and intellectual vivacity – never goes unnoticed outside Italy and is certainly not destined to oblivion”.
Ugo Sforza, concert artist and composer
Ugo Sforza
